Choreografija, šokių kūrimo ir aranžavimo menas. Žodis kilęs iš graikų kalbos „šokis“ ir „rašyti“. XVII – XVIII amžiuose tai iš tikrųjų reiškė rašytinį šokių įrašą. Tačiau XIX ir XX amžiuose prasmė pakito netiksliai, bet visuotinai, o rašytinis įrašas tapo žinomas kaip šokio notacija.
šokis: Choreografija
Choreografija yra šokių darymo menas, judėjimo į tvarką ir modelį rinkimas ir organizavimas. Naujausias
Toliau trumpai aprašoma choreografija. Norėdami pamatyti visą gydymą, žiūrėkite šokį: Choreografija; šokis, vakarietiškas.
Šokio kompozicija yra kūrybinga tuo pačiu būdu, kaip ir muzikos kompozicija. Tačiau šokio žymėjimas yra analizės ir pranešimo darbas, kurį paprastai atlieka kiti žmonės nei choreografas, kalba ar ženklais, kurių kūrėjas gali nesuprasti.
Renesanso metu šokio meistrai Italijoje, tokie kaip Domenico da Piacenza, teisme mokė socialinių šokių ir tikriausiai pradėjo sugalvoti naujus ar rengti žinomų šokių variantus, taip derindami kūrybinę funkciją su savo edukaciniais. Spektaklio baletas atliko tuos pačius žingsnius ir judesius kaip ir socialinis šokis ir nuo jo skyrėsi daugiausia grindų išdėstymu ir vaizdine projekcija.
XVI amžiuje šokių meistrai Prancūzijos teisme taip organizavo savo socialinių šokių grindų modelius, teatro ir meno kontekstus, kad būtų pradėta choreografinė forma - baletas de cour. Per du šimtmečius atotrūkis tarp socialinio šokio ir teatro šokio didėjo, kol XIX amžiuje baletas įgavo iš esmės savarankišką žodyną.
Šios eros baleto meistras choreografas buvo šokio, kaip teatro meno, aranžuotojas. XVIII amžiaus pabaigos choreografijos meno milžinas buvo Jeanas-Georgesas Noverre'as, kurio darbai ir raštai išgarsino dramatišką baletą arba baleto dykumą. Čia baletas įtraukė ir mimiką, ir akademinius šokius, suteikiantį šokiui išraišką pasakojimo ir histrioninio konteksto prasme. Po Noverre'o ir jo šiuolaikinio Gasparo Angiolini, kiti plėtojo šią tendenciją įvairiais būdais - ypač Jean Dauberval realistiniame šiuolaikinės šalies liaudies vaizdavime, Charlesas Didelot'as, einant link romantiškos scenos iliuzijos ir fantazijos, ir Salvatore Viganò dramatiškai naudojant ansamblį (choreodramma) ir tragiško gesto natūralumas.
Romantiškojo judėjimo choreografai, kaip tokių meistrų, kaip Carlo Blasis, kodifikuoti baletas, daugiausia Noverre'io laikų teatro baleto operacijose arba operos skirtumuose (baleto intarpai). Balerina, jos vaidmenį sustiprino naujai sugalvotas pointetukas (pusiausvyros padėtis ant kraštutinio kojos galiuko), ir moteris, kuri grįžo į baletą, įgijo naują reikšmę. Choreografai, kurie geriausiai išplėtojo teatro šokio pasakojimo meną, buvo Augustas Bournonvilis Kopenhagoje; Jules Perrot, ypač Londone ir Sankt Peterburge; ir Marius Petipa, kuris Sankt Peterburge pasiekė įspūdingo klasikinio baleto reakciją į aukščiausią tašką tokiuose kūriniuose kaip „Miegančioji gražuolė“, kuriuose išplėstiniai ir sudėtingi klasikinio šokio rinkiniai suteikė siužetui poetinės ir metaforinės išraiškos.
Ankstyvasis šiuolaikinis šokis JAV pristatė naujus judesio ir raiškos elementus; o balete Michelio Fokine'o kūryba pabrėžė labiau natūralistinius stilius ir galingesnį teatro įvaizdį, nei turėjo Petipos baleto klasicizmas. Nuo to laiko choreografinės formos skiriasi vaizdavimo ir abstrakcijos poliais.
Šokio žymėjimas XX amžiuje buvo susijęs su pagrindiniu judėjimu ir formaliu šokiu, kuriam padėjo išrasti naujos abstrakčių simbolių sistemos - įtakingiausios buvo Rudolfo von Labano ir Rudolfo Beneso sistemos. Labanotacija pirmiausia parodė judėjimo trukmę, sklandumą ar intensyvumą. Šiandien šios ir kitos sistemos toliau sparčiai tobulėja, jas sustiprina filmai ir vaizdajuostės.
Choreografija vystėsi ne mažiau greitai. Kompozicijos metodai kardinaliai skiriasi - vieni choreografai naudoja savo šokėjų improvizacijas kaip žaliavą, kiti sugalvoja kiekvieną judesį prieš repeticiją. Merce Cunningham kardinaliai pakeitė choreografijos kontekstą, kai požiūris į muziką ir dekoras tapo atsitiktiniu (o ne bendradarbiaujančiu ar palaikančiu) šokiu, jis pasinaudojo atsitiktinumų metodais šokio kompozicijoje ir organizavime bei naudodamas neteatratinę performanso erdvę. Jis, George'as Balanchine'as ir seras Frederickas Ashtonas tapo pagrindiniais klasikinio ar abstrakčiojo šokio dalyviais; tačiau pastarieji du - kaip Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins ir kiti - taip pat sukūrė pagrindinius reprezentacinius choreografijos kūrinius. Vienintelės šiandieninės choreografijos absoliučios taisyklės yra tai, kad šokiui jis turi nustatyti tvarką, viršijančią grynos improvizacijos ribas, ir kad jis turėtų formuoti šokį trijose erdvės dimensijose ir ketvirtojoje laiko dimensijoje, taip pat atsižvelgiant į žmogaus galimybes kūnas.
