Piešimo menas

Portretai

Piešti XV amžiaus portretai - pavyzdžiui, Pisanello ar Jano van Eycko - gali būti laikomi baigtais tapybos darbais, nes jie koncentruojasi, vykdomi ir pasiskirsto erdvėje. Aiškus, subtiliai nubrėžtas vaizdavimas seka kiekvieną paviršiaus detalę ir siekia realizmo. Pageidautina, kad būtų išsamiai aprašytas profilis; primena reljefą, jis panašus į medalioną. Šalia gryno profilio išryškėjo erdvesnio efekto trijų ketvirčių profilis, kuris šimtmečius išliko klasikine portreto pozicija.

Glaudus ryšys su tapyba galioja praktiškai visiems XV amžiaus portretų piešiniams. Net toks įtaigus kūrinys, kaip Dürerio imperatoriaus Maksimiliano piešinys atsirado kaip paveikslo portreto tyrimas. Tačiau tuo pat metu kai kurie Dürerio portretų piešiniai aiškiai įkūnija meninės įmonės paskutinį etapą - ambivalenciją, kurią taip pat galima pastebėti kituose XVI amžiaus portretuose. Jeano ir François Clouet'ų Prancūzijoje bei jaunesniojo Hanso Holbein'o darbai Šveicarijoje ir dar ryškiau Anglijoje tame pačiame amžiuje suteikė portreto piešimo autonomiją, ypač kai piešinys buvo baigtas įvairių spalvų kreida. Pasirinkus minkštesnę terpę, kontūravimą, kuris dėl viso savo tikslumo yra ne toks jau savaiminis, ir subtilesnis interjero brėžinys su plokštumos elementais suteikia šiems piešiniams gyvesnį, asmeniškesnį charakterį ir dar kartą pabrėžia jų artumą tapybai.

Polichrominės kreidos ir pastelinės technikos pagalba portretas piešė savo nepriklausomybę XIX a. XVIII amžiuje Quentin de La Tour, François Boucher ir Jean-Baptiste Chardin - visi šie menininkai iš Prancūzijos - buvo vieni pagrindinių jos praktikų, ir net Ingres, gyvenantys XIX amžiuje, vis dar naudojo savo techniką. Pastelinėje tapyboje portretas nusvėrė visus kitus dalykus.

Pasirinkus pozą, tipą ir vykdymą, portretų tapybai, kaip ir kitoms meno formoms, įtakos turi bendros epochos stilistinės savybės. Taigi neoklasicizmo metu kraštutiniu vaizdingu vėlyvojo baroko ir rokoko požiūriu buvo laikomasi griežtesnės koncepcijos, kuri teikė pirmenybę vienspalvinėms technikoms ir išugdė ir ypatingą silueto formą - profilio kontūro brėžinį, kurio plotas užpildytas juodai. XIX amžiaus pradžios portretų piešinių kūrėjai, neabejotinai skolingi savo XV a. Pirmiesiems, dar kartą siekė tikslaus detalių ir plastinių efektų perdavimo, kuriuos įgavo kruopščiausiai atrinktos grafinės laikmenos: plonas, kietas pieštukas buvo jų mėgstamiausias instrumentas, ir sidabro tašką taip pat iš naujo atrado romantikai.

XIX ir XX amžiaus pabaigos juodraštininkai, labiau domėjęsi psichologiniais portretų aspektais, pirmenybę teikė minkštesniems pieštukams, kurie lengvai seka kiekvieną meninį impulsą. Charakteringų elementų užgrobimas ir tinkamas plokštumos perdavimas buvo daug svarbesnis nei tikroviškos detalės. Nuotaikos elementai, intelektualinė įtampa ir asmeninis įsitraukimas yra tipiški šiuolaikinio portreto, taigi ir šiuolaikinio portreto piešimo, bruožai, menas, toliau dokumentuojantis menininko asmeninį meistriškumą, peržengiantis įvairių technikų bruožus.

Peizažai

Jau XV a. Kraštovaizdžio piešiniai taip pat įgavo pakankamai autonomijos, kad sunku atskirti baigtą studiją konkretaus paveikslo fone nuo nepriklausomo, savarankiško, eskizuoto kraštovaizdžio. Jau 15-ojo amžiaus Jacopo Bellini eskizų knygelėse (išsaugotose albumuose Britanijos muziejuje ir Luvre) yra glaudus ryšys tarp gamtos tyrinėjimo ir vaizdinės struktūros; Titiano studijoje XVI amžiuje peizažo eskizai turėjo būti eksponuojami kaip paveikslėlio fono pasiūlymai.

Bet būtent Diureris sukūrė peizažą kaip prisimenamą įvaizdį ir savarankišką meno kūrinį, trumpai tariant, kaip savo paties temą, nenurodant kitų darbų. Jo akvarelės, visų pirma, taip pat dviejų jo kelionių Italijoje, Niurnbergo apylinkių ir kelionės į Nyderlandus piešiniai yra ankstyviausi gryno kraštovaizdžio piešiniai. Turėjo praeiti šimtmečiai, kol tokie brėžiniai vėl atsirado šioje absoliučioje formuluotėje.

Kraštovaizdžio elementai taip pat buvo labai reikšmingi XVI amžiaus vokiečių ir olandų piešiniuose ir iliustracijose. Vaizdinis vaizdas, vis dar išliekantis daugeliu atvejų, formaliai yra gana integruotas į romantišką miško ir pievų kraštovaizdį, ypač Dunojaus mokyklos darbuose, pavyzdžiui, Albrechto Altdorferio ir Wolfo Huberio darbuose. Dažniau nei kitose mokyklose čia randama kruopščiai įgyvendinamų gamtos vaizdų. Nyderlanduose Pieter Bruegel piešė topografinius vaizdus ir laisvas peizažo kompozicijas, abiem atvejais kaip savarankiškus kūrinius.

Gamta ir iš jos išaugęs kraštovaizdžio piešinys XVII amžiuje pasiekė naują aukštumą. „Accademia degli Incamminati“ (pavyzdžiui, Domenichino piešiniai) kraštovaizdžio piešiniai derino klasikinę ir mitologinę temas su herojiškais peizažais. Romoje gyvenantis prancūzas Claude'as Lorrain'as dažnai dirbo po atviru dangumi, kurdamas kraštovaizdžio piešinius, kurių atmosfera iki šiol nebuvo pasiekta. Šio tipo kultūringas ir idealizuotas kraštovaizdis, kurį taip pat pavaizdavo Poussinas ir kiti Romoje gyvenantys šiauriečiai (jie buvo vadinami olandų romanistais, atsižvelgiant į tai, kad Romoje gyveno tiek daug menininkų iš Nyderlandų, o jų piešiniai iš Italijos pasiekė beveik eterinę kokybę)., priešingai nei heteroistinė, gamtai artima kraštovaizdžio samprata, kurią pirmiausia laikosi olandai, vaizduodami savo gimtosios šalies kraštovaizdį. Visi peizažų tapytojai - jų peizažų tapyba, ypatingai atstovaujama meniškai specializuotose žemose šalyse - taip pat kūrė nepriklausomus kraštovaizdžio piešinius (pavyzdžiui, Janas van Goyenas ir Jacobas van Ruisdaelis bei jo dėdė ir pusbrolis), o Rembrandtas vėl užėmė ypatingą vietą.: fiksuodamas regiono ypatybes dažnai tik keliais potėpiais, jis jas patobulino taip, kad įgytų monumentalią išraiškos galią net mažiausiu formatu. XVIII a. Italijoje topografiškai ištikimas kraštovaizdžio piešinys įgavo reikšmę atsiradus Vedutistams, „nuomonių teikėjams“, kurie sudarė grupę patys (tarp jų Giambattista Piranesi ir Canaletto [Giovanni Antonio kanalas]) ir dažnai dirbo tokiomis optinėmis priemonėmis kaip rėmelio ir fotoaparato užtemimas. Didesnės meninės laisvės kraštovaizdžio brėžinius, taip pat įsivaizduojamus peizažus sėkmingai padarė kai kurie prancūzų menininkai, tarp jų Hubertas Robertas; vaizdingai ir atmosferiškai šios temos antrą kartą suklestėjo tokių anglų menininkų kaip Turneris ir Alexanderis Cozensai, kurių įtaka siekia XX a.

Neoklasicizmo ir, dar daugiau, romantizmo projektuotojai, atsižvelgiant į jų didelį susidomėjimą apibrėžimu, gamtą stebėjo topografiniu tikslumu. Kaip naujas „atradimas“ romantiškai ir didvyriškai perdėtas Alpių pasaulis menininko galvoje užėmė vietą šalia arkadinio požiūrio į Italijos peizažą.

Kraštovaizdžio piešiniai ir dar daugiau, akvarelės, XIX amžiuje sudarė neišsenkančią temą. Tarp pagrindinių kraštovaizdžio piešinių kūrėjų buvo prancūzų dailininkas Jean-Baptiste-Camille Corot ir amžiaus pabaigoje Cézanne ir van Gogh. Peizažai buvo daugelio XX a. Projekto autorių darbo dalis, tačiau didžiąją šio amžiaus dalį žanras užėmė antrąją vietą bendroms formos problemoms, kuriose tema buvo traktuojama tik kaip atskaitos taškas. Tačiau per pastaruosius 30 XX amžiaus metų daugybė amerikiečių menininkų grįžo į reprezentaciją ir taip investavo į kraštovaizdį kaip dalyką.

Figūrinės kompozicijos ir natiurmortai

Palyginti su pagrindinėmis savarankiško piešimo temomis - portretais ir peizažu - visos kitos yra mažiau svarbios. Figūrinės kompozicijos labai priklauso nuo to meto tapybos ir dažnai yra tiesiogiai su ja susijusios. Be abejo, buvo menininkų, kurie piešiniuose nagrinėjo monumentaliosios tapybos temas, pavyzdžiui, XVII amžiaus graveris ir ofortas Raymond de La Fage; tačiau apskritai meninis figūros kompozicijos tikslas yra paveikslas, kuriame piešinys vaizduojamas kaip naudinga priemonė ir kelio stotis. Žanro scenos, ypač populiarios XVII amžiaus žemose šalyse (kaip tai padarė, pavyzdžiui, Adriaenas Brouweris, Adriaenas van Ostade'as ir Janas Steenas), ir 18-ajame amžiuje Prancūzijoje ir Anglijoje įgijo tam tikrą savarankiškumą. Taip pat XIX amžiuje buvo piešinių, pasakojančių kasdienio gyvenimo istorijas; dažnai iliustruojančio pobūdį, jos gali būti vadinamos „mažomis nuotraukomis“ ne tik dėl dažnai įvairiaspalvio formato, bet ir dėl meninio jų atlikimo.

Natiurmortai taip pat gali pretenduoti į savarankiškus piešinius, ypač gėlių vaizdus, ​​tokius kaip olandų menininko Jano van Huysumo paveikslai, kurie buvo populiarūs nuo XVII a. Vėlgi, tiesa, gerai suplanuotas išdėstymas paverčia tiesioginį gamtos tyrinėjimą vaizdine kompozicija. Kai kuriose iš šių kompozicijų labai panašus į tapybą; Pavyzdžiui, XIX ir XX amžiaus dailininko Odilono Redono pastelės arba XX amžiaus vokiečių ekspresionisto Emilio Nolde darbas, kurio chromatinis intensyvumas, peržengia skiriamąją liniją tarp piešimo ir tapybos. Natiurmortuose, kaip ir peizažuose, autonominiai formos principai šiuolaikiniams menininkams yra svarbesni nei faktinis teiginys.

Išgalvoti ir neatstovaujami piešiniai

Piešiniai įsivaizduojamomis ir išgalvotomis temomis labiau nepriklauso nuo išorinės realybės. Sapnų apraiškos, metamorfozės ir atskirų tikrovės lygmenų bei regionų susipynimas buvo tradicinės temos. 15-ojo amžiaus pabaigos fantastiški Hieronymus Bosch darbai yra ankstyvas pavyzdys. Yra alegoriškos XVI amžiaus flamandų menininko Pieterio Bruegelio valstiečių scenos ir XVII amžiaus prancūzų menininko Jacques'o Callot'o karnavalo ofortai. Kiti, kurių darbai iliustruoja, ką galima padaryti piešiant išorinį kraštovaizdį ir portretus, yra: XVIII a. Italų graveris Giambattista Piranesi, XVIII a. Anglo-šveicarų dailininkas Henry Fuseli, XIX a. Anglų iliustratorius Walteris Crane, XIX a. Prancūzas. Simbolistas dailininkas Gustave'as Moreau ir XX amžiaus siurrealistai.

Neatstovaujantis menas, sumažinęs pagrindinius piešimo elementus - tašką, liniją, plokštumą - iki grynos formos, pasiūlė naujų iššūkių. Atsisakant asociatyvių kūniškų ir erdvinių ryšių, piešimo matmenų ir įvairių terpių struktūrų atsiskleidimas įgyja naujos reikšmės. Grafinės linijos plokštumoje ir nepažymėtoje srityje savybės buvo pabrėžiamos jau ankstesniais laikais, pavyzdžiui, XVI a. Giuseppe Arcimboldo grotose (išgalvotos ar fantastinės žmonių ir gyvūnų formų reprezentacijos, dažnai derinamos su tarpusavyje ir susimaišę su žalumynų, gėlių, vaisių ar pan. vaizdais) ir atliekant kaligrafinius pratimus, tokius kaip morengai (stipriai stilizuotas linijinis ornamentas, paremtas lapais ir žiedais), bet dažniausiai kaip atspausdinimo ar graviravimo modeliai pačioms skirtingiausioms dekoratyvinėms užduotims. (vidaus apdaila, baldai, indai, papuošalai, ginklai ir panašiai).