Operos muzika

Venecijos opera

1637 m. Pradžioje atidarytas pirmasis viešas operos teatras „Teatro di San Cassiano“ Venecijoje - komercinis vienos iš turtingųjų miesto pirklių šeimų verslas - buvo dar vienas lemiamas operos kūrimo veiksnys. Šis įvykis galiausiai pašalino operą iš išskirtinio honoraro ir bajorų globos ir padėjo ją pasiekti visiems, išskyrus skurdžiausius Italijos miesto gyventojų sluoksnius. Iki amžiaus pabaigos Venecija turėjo devynis tokius komercinius teatrus, nemažai jų buvo skirti operai. Nors ne visi teatrai veikė vienu metu, jie vis dėlto traukė ir iš tikrųjų varžėsi dėl vietinės ir tarptautinės auditorijos. Taigi XVII amžiaus viduryje buvo pradėta tendencija, kad sklypai yra labiau sensacingi, kuriuose yra intrigos, maskavimo ir apgaulės elementų bei reikalaujančių sudėtingos technikos. Operos komercializavimas taip pat padidino dainininkų įtaką; kastrati išryškėjimas (vyrai, kurie buvo kastruoti iki brendimo siekiant išsaugoti aukštą berniukų balsų diapazoną ir grynumą, kurį dabar sustiprina visiškai subrendusios komodos); kartu pabrėžiamas arijų, o ne deklamavimas.

Vakarų teatras: Opera

Viena iš ištvermingiausių Renesanso teatro produktų buvo opera. Jis išaugo iš Florencijos visuomenės „Camerata“ eksperimentų

Monteverdi auklėtinis Francesco Cavalli tapo populiariausiu savo epochos operos kompozitoriumi, apstatydamas Venecijos operos namus daugiau nei dviem dešimtimis operų nuo 1639 iki 1669 metų. Cavalli įnešė į libretus, kuriuos jis paskyrė muzikai, dramatiška jėga ir tiesiai. Žinomiausias iš jo operų buvo Giasone (1649; „Jason“), kurios libretas, kurį pateikė Giacinto Andrea Cicognini, apėmė farizikos epizodus. Pagrindinis „Cavalli“ konkurentas ir įpėdinis Venecijoje buvo Pietro Antonio Cesti, kurio palikime yra apie tuzinas operų, ​​ypač „Orontea“ (1656; Cicognini libretas). Venecijos kompozitoriai antroje amžiaus pusėje buvo Antonio Sartorio ir Giovanni Legrenzi bei XVIII amžiaus pradžioje Antonio Vivaldi, sukūrę 49 operas Venecijai ir kitiems miestams; daugelis Vivaldi operų dabar prarastos. Brangus operos partitūrų leidimas nustojo galioti, kai žanras įsitvirtino ir aristokratų globa buvo nutraukta. Daugelis operų truko tik vieną sezoną, po to jas pakeitė naujai užsakyti kūriniai. Tik nuo XX amžiaus pabaigos kai kurios iš šių operų, ​​ypač „Cavalli“, buvo atgaivintos ir atgaivintos.

Venecijos operos buvo ekstravagantiški reikalai, kuriuose neįtikėtini siužetai - komiškų ir rimtų elementų mišinys - išsiskleidė paprastoje deklamacijoje, o arijos įgavo naują, lyrišką posakį. Arijos paprastai buvo liejamos strofinės formos (dainuojamos tos pačios muzikos stanzos) ir tekančio trigubo metro (ritmai trijose grupėse), o kai kurie turėjo pasikartojančius boso modelius (ostinatos ar žemos basos), kurie pailgindavo išraiškingas aukščiausias siužeto vietas. Venecijos kompozitoriai sukūrė savitą stilių ir formas daugeliui solo arijų ir duetų bei mažai dėmesio skyrė chorui, kuris vaidino svarbesnį vaidmenį Florencijos teismo pastatymuose ir tebebuvo svarbus savo romėnų amžiams. Rezultatas, atsirandantis tarp rečitatyvo ir arijos, ir tuo pačiu metu sutelktas dėmesys į solo dainininkus tapo būdingais operos bruožais ateinantiems 200 metų. Be to, laipsniškai didėjo arijų skaičius operoje - nuo maždaug 24 XVII amžiaus viduryje iki daugiau nei 60 iki 1670 m. Taigi Florencijos (ir Monteverdiano) požiūris į operos muziką yra neatsiejamas nuo jos poezijos ir dramos. netrukus buvo pakeistas mokančių Venecijos publikos skonių ir norų, kurie mėgavosi vaizdiniais rinkinių ir kostiumų elementais, labiau mėgavosi muzikiniu kūrimu nei įtikinama dramatiška struktūra ir suteikė atmosferą, kurioje klestėjo konkurencija tarp operos kompanijų ir tarp jų labai apmokami žvaigždžių dainininkai.

Operos stilių plėtra kituose Italijos miestuose

Kai kurie kiti Italijos miestai greitai sukūrė atpažįstamą operos stilių, XVII a. Romoje, kur turtingi prelatai tapo aršiais operos rėmėjais, libretininkai išplėtė temų spektrą, įtraukdami šventųjų legendas. Daugelis to meto romėnų kompozitorių, tokių kaip Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi ir Michelangelo Rossi, laikėsi Florencijos tradicijos, įtraukdami vokalinius ansamblius ir chorų finalus (su šokiais) kiekvienam veiksmui. Jie išsiskyrė iš Florencijos stiliaus padidindami arijų ir rečitatyvų kontrastą, leisdami arijoms nutraukti dramatišką tęstinumą ir paversdami rečitatyvus kalbingesniais ir mažiau įdomiais muzikine prasme. Jie taip pat panaudojo komiškus epizodus, kad nušviestų vyraujančias tragiškas istorijas (kaip tai padarė venecijiečiai) ir pristatė instrumentines uvertiūras ir į uvertiūrą panašius kūrinius prieš poelgius ar jų dalis.

Du romėnų kompozitoriai - Mazzocchi brolis Virgilio ir Marco Marazzoli - dažnai minimi kaip sukūrę pirmąją visiškai komišką operą „Chi soffre speri“ (1639; „Tas, kuris kenčia, viliasi“). Jos libretą parašė Giulio kardinolas Rospigliosi, kuris 1667 m. Turėjo būti padidintas popiežiaus popiežiumi kaip Klemensas IX. Garsiausiam Rospigliosi libretui „Sant’ Alessio “(1632;„ Saint Alexis “) Landi padovanojo sceną, kuriai reikėjo visų vyrų, įskaitant kastrati vaidmenis moteriškuose vaidmenyse, dar vienos operos Romoje, kur moterims nebuvo leidžiama, bruožo dainuoti scenoje. Opera buvo sėkmingai atgaivinta XX amžiaus pabaigoje - atsirado nauja aukštos kvalifikacijos, virtuoziškų kontratenerių veislė, prisiimanti iš pradžių kastratams skirtus vaidmenis.

Opera taip pat buvo svarbi muzikinio gyvenimo Neapolyje dalis, kur XVII amžiaus viduryje buvo įkurtas pirmasis nuolatinis miesto operos teatras - „Teatro San Bartolomeo“. Iki 1700 m. Neapolis užkariavo Veneciją kaip Italijos operos centrą, daugiausia dėl Alessandro Scarlatti, kuris garsino Romoje, kūrinių ir įtakos. Scarlatti parašė mažiausiai 32 iš 66 savo operų, ​​skirtų San Bartolomeo 1684–1702 m., Prieš Ispanijos paveldėjimo karą (1701–14) privertęs jį grįžti į Romą. Iš jo operų „La caduta de 'Decemviri“ (1697; „Decemvirų kritimas“) - Silvio Stampiglia librete, kuriame yra ne mažiau kaip 62 arijų, - reprezentuoja Scarlatti jo teatro karjeros viršūnėje. Jis toliau rašė operas Romai, Florencijai ir Venecijai, o po to, kai grįžo į Neapolį 1709 m., Vis dėlto jo operų stilius tuo metu jau buvo pasenęs.

Neoklasikinis operos judėjimas, kilęs iš Venecijos XVII a. Pabaigoje, ėmėsi gryninti komiksų scenų ir personažų libretus ir reikalauti paprastesnių siužetų, pagrįstų prancūzų dramaturgų Pierre'o Corneille'o ir Jean'o Racine'o tragedijomis, kurios vartojo paaštrintą kalbą ir palaikė klasikinį laiko, vietos ir veiksmo vienybės idealą, kuris reikalavo, kad libretas turėtų vieną siužetą, vykstantį per vieną dieną, vienoje vietoje ar aplinkoje. Šios vertybės atsispindėjo operos tipe, vadinamame operos serija (daugiskaita: opere serie) arba „rimta opera“, kuri skiriasi nuo operos bufos (daugiskaita: opere buffe) arba „komiškos operos“. „Scarlatti“ operos serija yra pavyzdinga, kai naudojami vieningi siužetai, kuriuose yra mažiau nei 10 simbolių, kurių jausmai ir asmenybės išreiškiami da capo arijų serijomis - arijų rūšimi, ypač susijusia su Neapolio opere serija. „Da capo aria“ buvo didelio masto forma iš trijų skyrių (ABA), trečiajame pakartojant pirmąjį „nuo capo arba galvos“, tai yra nuo pat pradžių. Formą sudarė nerimtas, rimuotas eilėraštis, kurio pagrindinę mintį užfiksavo vienas ar du būdingi muzikiniai motyvai, kurie buvo išplėsti į sudėtingą solo, kupiną muzikos ir teksto pakartojimų, įrėmintų instrumentinių ritornelių. Kompozitoriaus tikslas kiekvienoje arijoje buvo pavaizduoti vieną ar dvi emocijas iš daugybės aistrų, kad būtų galima modeliuoti tam tikro personažo proto būsenos muzikinį portretą toje veiksmo vietoje - funkciją, panašią į veiksmo funkciją. sustabdyti kinematografavimą šiandien. Scarlatti savo arijas paįvairino neįprasta kokybe ir gyliu bei pateikė jiems turtingą ir įvairią instrumentą.

Tarp „Scarlatti“ įpėdinių pastebimi tokie kompozitoriai kaip Nicola Porpora, Leonardo Vinci ir Leonardo Leo. Ši karta dažnai bendradarbiavo su dramatišku poetu Pietro Trapassi, žinomu kaip Metastasio - bene didžiausias iš XVIII amžiaus libretininkų, kurio kūrinius iki XIX amžiaus sukūrė maždaug 400 kompozitorių. Tęsdami paprotį libretus grįsti graikų-romėnų legenda ir pseudohistorija, kurdami siužetus, susijusius su Dido, Aleksandro Didžiojo ir Tito, o ne mitologinių herojų simpatijomis, Metastasio ir jo Venecijos pirmtakas Apostolo Zeno parašė formalaus grožio ir kalbinio aiškumo tekstus, pirmenybė teikiama iškilmingiems, paprastai tragiškiems subjektams (operos serijai) trijuose veiksmuose, o ne komiksų epizodams ir personažams.

Neapolietiškos operos terminas, be sąryšio su operos serija, taip pat reiškė lengvą intriguojantį stilių, kartais vadinamą galantišku, kuris buvo grindžiamas grakščių vokalinių melodijų išaiškinimu, pateiktu simetriškomis, subalansuotomis frazėmis. Šios melodijos buvo parinktos pagal paprastesnį akompanimentą, kuriame nebuvo ankstesnių arijų (baroko laikotarpio, apytiksliai atitinkančio XVII ir XVIII amžių) ritmų ir kurie palaikė, o ne konkuravo balsu. Daugybė savybių, kurios buvo susietos su XVIII amžiaus vadinamuoju Vienos klasikiniu stiliumi, ypač Josepho Haydno, Wolfgango Amadeuso Mozarto ir Ludwigo van Beethoveno instrumentinė muzika, atsirado iš prigimties neapolietiškos operos vokalinio stiliaus.

Iki 1730 m. Italų opera, kartais vertimu, buvo atkeliavusi į maždaug 130 Europos miestų ir miestelių, nuo Kopenhagos iki Madrido ir nuo Londono iki Maskvos. Vis griežtesnės ir nedramatiškesnės operos serijos tradicijos sukėlė kritiką, pavyzdžiui, 1720 m. Venecijos kompozitoriaus poeto-valstybininko Benedetto Marcello išleistą sambūrinę satyrą „Il teatro alla moda“ („Teatras à la Mode“). Pagrindiniai rečitatyvų ir arijų elementai, atsitiktiniai ansambliai ir chorai buvo saugomi iki šių dienų, nors jų proporcijos kito. XVIII amžiuje italų opera buvo išties tarptautinė terpė ir vienintelė priemonė, per kurią sėkmingas kompozitorius galėjo pelnyti šlovę ir likimą.